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CUANDO MENOS ES MÁS 

Quisimos saber qué empujó a Lucinda Childs a convertirse en pionera del Minimalismo. Y esto nos contó la legendaria coreógrafa norteamericana, que reestrena 'Dance' en Barcelona, dentro del gran homenaje que desde esta semana le rinde el Mercat de Les Flors…

 

Texto_OMAR KHAN Fotos_LUCIE JANSCH /JAIME ROQUE DE LA CRUZ / TRISTRAM KENTON

Madrid, 28 de febrero de 2023

Menos es más. Tal fue el principio que movió a los artistas plásticos que instauraron el Minimalismo, una corriente que buscaba en la economía de recursos la máxima expresividad. Eran los años 70 y aquello era Nueva York, el único lugar en el que era posible una fusión de las artes y una libertad nunca antes conocida por los creadores. Lucinda Childs (Nueva York, 1940), coreógrafa que formaba parte del reputado grupo de la Judson Church, quiso experimentar con las ideas minimalistas en la danza y de su investigación surgió un trabajo obstinado y fascinante que hacía caer al espectador en el hipnotismo con sus frases limpias, perfectas y sobre todo, repetitivas.

Para muchos su coreografía Dance (1979) es la cumbre de la danza minimalista y una de las obras más representativas de la posmodernidad. Ha resistido el paso del tiempo, como demostrará esta semana, con funciones del 02 al 04 de marzo, bailada por el Ballet de la Ópera de Lyon en el Mercat de les Flors, casa de la danza de Barcelona que dedica a Childs una de sus Constelaciones, y la convierte estos días en protagonista absoluta con numerosas actividades programadas alrededor de su obra.

En Dance, Childs dispone a los 17 bailarines cruzando armónicamente el escenario en líneas rectas, con un uso recurrente de la diagonal, moviéndolos al ritmo incesante de la música que le compuso expresamente Philip Glass, compositor emblemático del minimalismo musical. Sobre la boca del escenario una pantalla traslúcida proyecta una película, originalmente creada por el artista plástico norteamericano Sol LeWitt, que reproduce desde distintos ángulos y a descomunal tamaño la misma coreografía, con lo que se produce una dualidad, una representación simultánea de la misma obra que termina por hacer aún más fascinante la propuesta gracias a la precisa sincronización entre filme y escenario.

“Creamos juntos esta forma en la que los bailarines mismos son el decorado”, recordaba la coreógrafa para susyQ en 2019. “Inicialmente la idea era que fuese una abstracción pero fuimos llegando a esta nueva concepción que me gustaba más. Sol entendió perfectamente que no se trataba de un acompañamiento audiovisual convencional”. La película le permitía presentar a los bailarines en todo su realismo (el filme repite lo que ocurre en el escenario) pero desde otra dimensión, que es más grande que los seres humanos, una que, de hecho, los empequeñece.

 

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Frases repetitivas

La otra colaboración relevante para Dance la trajo Philip Glass con su música electrizante de frases repetitivas. No era la primera colaboración que hacían juntos. En 1976, ambos habían sido convocados por el prestidigitador escénico Bob Wilson para hacer aportaciones decisivas a su obra más relevante, la monumental ópera experimental  Einstein on the Beach, que instauró el concepto de teatro de las imágenes para referirse a la obra multidisciplinar de Wilson.

Con esta pieza Lucinda Childs saltaba de los pequeños teatros experimentales de Nueva York, donde presentaba sus obras minimalistas usualmente en silencio (la reproducción de cuatro de estas coreografías se verá en el Mercat, los días 03 y 04, reconstruidas por el Dance On Ensamble), a estrenar en el Metropolitan Opera House con música en directo. “Era la primera vez que trabajaba con un compositor y quise de inmediato experimentar la forma de trabajar que tenía Merce Cunningham con el compositor John Cage, en la que la música no era conocida por los intérpretes hasta el ensayo general”.

De esta forma, ahondaba en la dimensión estética y matemática de su trabajo, que se basa en patrones espaciales muy estrictos. “Para mí es importante que los bailarines dominen esta estructura matemática, que tengan una formación que les permita construir las frases mentalmente, pues es lo que les permitirá saber qué hacer en todo momento. Las secuencias de movimiento son construidas como una partitura y es así como se elaboran las frases coreográficas, por lo que la relación con la música debe ser rigurosa y matemática. Yo hago un trabajo que requiere la máxima precisión”.

 

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Patrones espaciales

Los creadores del movimiento posmoderno de la Judson Church seguían senderos distintos en la ejecución de la danza pero coincidían ideológicamente en cierto rechazo a los convencionalismos y formalismos del ballet académico, excepto Lucinda Childs que no renuncia a ellos pero los potencia desde otro ángulo. Sus bailarines son técnicamente sofisticados pero al mismo tiempo deben evitar cualquier tipo de sugerencia dramática o expresividad. Más que una narrativa o una dramaturgia emocional, sus obras son patrones espaciales, rigurosas estructuras que mutan a lo largo del tiempo de manera imperceptible. La coreógrafa admite y reconoce la influencia que ejerció sobre ella Merce Cunningham pero los objetivos son muy distintos. Allí donde Cunningham considera que la danza, la música, la escenografía e iluminación son independientes y no tienen relación alguna entre ellos salvo su coincidencia en el espacio-tiempo de la representación, el trabajo de Childs parece ir en dirección contraria, como queriendo demostrar que todos estos elementos son un todo único e indisociable.

“Cuando era una estudiante había visto una de esas piezas de Cunningham en la que los bailarines no conocían hasta el momento del estreno la música que les había compuesto Cage. Y me fascinó esta manera de trabajar la estructura coreográfica. Pude ver un ensayo sin música y luego me asombró el resultado en el escenario con la música incorporada. Desde entonces siempre tuve fascinación por su trabajo, su manera racional de abordar lo coreográfico. Fue muy inspirador y quise experimentar con mis bailarines esta pulsación común antes de tener la música”.

También trabaja el gesto cotidiano, que fue una obsesión de Trisha Brown, otra de las precursoras de la Judson Church. Pero una vez más avanzan desde la misma idea hacia puertos diferentes, porque Brown quiere acercar la danza a la vida, en tanto que Childs tiene un vocabulario que por ser extremadamente simplificado la coloca próxima a acciones cotidianas como caminar, correr o saltar pero alejadas del naturalismo, presentadas de una forma fría y geométrica, calculada y mecanizada, como formando parte de una estructura matemática alejada de lo cotidiano.

El re-montaje que ha hecho de Dance para el Ballet de la Ópera de Lyon es casi exacto al mismo que hizo para su estreno en 1979. La película original de Sol LeWitt ha sido grabada de nuevo (plano a plano, por Marie-Hèléne Rebois, de quien se exhibirá hoy en la Filmoteca de Cataluña su documental La Grande Fugue sobre el proceso creativo de Childs), con los bailarines del colectivo de Lyon, y con algún leve cambio en el vestuario. Por lo demás, permanece intacta. “Antes los bailarines de contemporáneo no teníamos una técnica tan perfeccionada como ahora, éramos menos versátiles, así que he querido destacar los cuerpos en esta nueva producción. El pantalón original era amplio a la manera de los setenta y ahora al ser más ajustado permite ver mejor la manera de bailar, deja ver esas precisiones que no teníamos los bailarines de los setenta y que son tan importantes en mi propuesta”, concluye la destacada coreógrafa.

La Constelación Childs en el Mercat de les Flors incluye la exposición Lucinda Childs Nothing Personal / 1963-1981, comisariada por Lou Fortser (hasta el día 11 el foyer) y, entre muchas otras actividades, la reposición de tres solos tempranos de la creadora, ahora remontados por su sobrina, Ruth Childs (04 y 05 de marzo).

 

ARTÍCULO RELACIONADO LUCINDA CHILDS / MERCAT DE LES FLORS (susyq.es)

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