ESCENA PATRIMONIO: ESCRIBIR LA DANZA
Presentamos los textos resultantes del primer bloque del Taller 'Escribir la Danza', realizado en alianza entre susyQ y Escena Patrimonio, en el que los participantes escribieron sobre algunas de las propuestas que se verán esta noche en Escena Patrimonio, a celebrarse en las 15 ciudades españolas Patrimonio de la Humanidad...
Madrid, 17 de septiembre de 2022
Daniel Abreu
ENTRE LAS VÍSCERAS Y EL OJO AJENO
Texto_ANE MONZÓN
Salamanca. Lo trascendental de un arte aparece cuando sientes como propia una pasión ajena. Esta noche, en el Patio Chico de la Catedral de Salamanca, en el contexto de la V edición del Festival Escena Patrimonio, Daniel Abreu nos ofrecerá su nueva creación: Las cuerdas.
Junto a la música de Jorge Da Rocha, el coreógrafo e intérprete se sube al escenario para responder a sus grandes -y universales- interrogantes sobre la transición entre lo inerte y lo sustancial: “¿qué pasa entre la mecánica de las cosas y lo que hacen que tenga otro sentido?”, se pregunta Abreu. Mediante el uso de herramientas que nacen del estudio de una simbología poética, el coreógrafo y bailarín pretende enlazar -y darle luz a través de sus movimientos- los extremos de los cordones que parten de nihilum y transitan hasta las emociones que resuenan, mientras se dilatan nuestras pupilas o se eriza el vello de nuestro cuerpo. Abreu recoge el peso poético del sujeto al desnudo y con el cuerpo derrama su alma.
Ya en trabajos anteriores recorre los mundos internos y los repliega hacia el ojo del espectador. Y es que la idiosincrasia de Daniel Abreu y su compañía se caracterizan por el especial hincapié en resaltar la personalidad en crudo de los bailarines, desde un lenguaje sencillo e interpretativo. Todo ello acompañado de una envoltura paisajística onírica y sonora. Lo relevante no es la técnica, sino la visceralidad de los movimientos y el despertar sensorial que acompaña.
Abreu ha desarrollado su trayectoria como intérprete, por un lado, en diferentes compañías y colectivos de danza o teatro. En 2004, funda su propia compañía -Cía. Daniel Abreu- con creaciones de su autoría, dada la gran impronta que ya había generado. Su dilatado trabajo se extiende a otros muchos espacios de creación y diferentes países (Fattoria Vittadini, Zagreb Dance Company…). En 2014, recibe el Premio Nacional de Danza en creación, aunque ha sido galardonado en otras -y numerosas- ocasiones como, por ejemplo, el Max a Mejor Intérprete Masculino de Danza, Mejor Coreografía y Mejor Espectáculo de Danza (2018) por su obra la Desnudez.
Las cuerdas, afirma Abreu, posee un planteamiento diferente -aunque dentro de sus características propias de creación-, con menos coreografía técnica, pero con más cuerpo. Ahora solo podemos esperar, sentarnos, observar y dejarnos llevar por sus movimientos, para entender los nuestros.
Daniel Abreu
CUERDAS PARA ESTABLECER VÍNCULOS
Texto_NICOLÁS SANTOS MARTÍN
Salamanca. El tinerfeño Daniel Abreu, galardonado con el Premio Nacional de Danza 2014 y con varios Premios Max en 2018 por La desnudez (entre otros reconocimientos), recae en Salamanca con Las cuerdas, un espectáculo creado ad hoc para Escena Patrimonio.
Tras casi dos décadas y más de una sesentena de coreografías, Daniel Abreu puede presumir de tener un lenguaje propio. En su poética no caben narrativas convencionales, ni grandes artificios: por el contrario, parte de lo simple, lo minúsculo, lo concreto, para alcanzar lo universal. Aborda lo íntimo, logrando que lo cotidiano (es decir, aquello reconocible y personal) se convierta en excepcional. Para ello, se apoya en el gesto (acaso una de las unidades mínimas de expresión en danza) y recurre a la imagen simbólica, creando en el proceso atmósferas enigmáticas que mantienen al espectador en vilo, entre el peligro y el sosiego.
Y es que otra de las señas de identidad de Daniel Abreu es el diálogo con el público. El tinerfeño aboga por un espectador activo, imbuido en la proposición escénica. Se busca el entendimiento no a través del raciocinio, sino desde lo emocional. Apoyado por una narrativa no lineal, el coreógrafo abre su obra (como propone Umberto Eco en Obra abierta) a la pluralidad de significados y sentidos, tantos y tan personales como espectadores asisten a sus piezas.
Por ello, Las cuerdas, plantea preguntas y no respuestas, se cuestiona el momento en que las cosas se transforman, en el que dejan de ser una cosa y pasan a ser otras. La cuerda es, en última instancia, una representación tangible del recorrido que une un punto con otro. Es allí donde el espectáculo transita. Como si de una representación del principio físico se tratase, Las cuerdas indaga en la posibilidad de que los significados no son creados ni destruidos, sino que son transformados.
Para el espectáculo, Abreu compartirá espacio con el músico Jorge Da Rocha. No es la primera vez que el coreógrafo colabora con un músico, como se hizo palpable en espectáculos recientes como Dalet (Da) o El arco. Asimismo, la ocupación de espacios no convencionales es una constante en su repertorio: podría hablarse de Índico, Vertebral o De la naturaleza, espectáculo realizado en este mismo festival hace dos años. El espectador disfrutará de un tête à tête bajo la atenta mirada de la fachada de la universidad. No cabe duda de que la apuesta por el coreógrafo es un éxito asegurado.
Daniel Abreu
TRATADO PARA ALMAS NOBLES
Texto_CAROLINA LÓPEZ
Salamanca. Escena Patrimonio celebra esta noche su quinta edición como plataforma de creación para la danza, desarrollándose conjuntamente en las 15 ciudades Patrimonio de la Humanidad. La dirección artística y coordinación cuenta con el acertado criterio de Lorenzo Pappagallo y el hilo conductor de la mágica Noche del Patrimonio, es el lema legado.
El bailarín y coreógrafo canario Daniel Abreu ya participó en 2020, en Mérida, con el estreno de En la naturaleza, pieza plena de simbolismo entre lo humano y lo divino. Esta vez, recogiendo el testigo de Proyecto Larrua del pasado año, propone para Salamanca Las cuerdas, junto al músico portugués Jorge Da Rocha. La propuesta indaga en la posibilidad de los espacios vacíos y la continua transformación de las cosas. En contexto, un universo creador, sereno y sosegado a la vez que fuerte y categórico, consolida su admirable e incesante carrera, en el nada fácil mundo de las artes escénicas (en España, más). Abreu, ha materializado del orden de 60 proyectos, que ha llevado a unos 40 países y ha colaborado con compañías referentes como Provisional Danza y Matarile Teatro (entre otros). En su haber, el Premio Nacional de Danza en 2014 y tres Premios Max en 2018. Artista contemporáneo de notable repercusión con ilimitadas pautas que destilar: los de una sabiduría poética bien reposada con la que ha erigido su propia compañía desde 2004. Su filosofía artística se basa en la reflexión y en las conjeturas de los conceptos existenciales, con cimientos fieles y prolíficos como recursos temáticos de gran profundidad.
Y es que la danza en él es un instinto, una necesidad abrumadora y sublime. Un transitar desde lo intuitivo a lo vital. Técnica íntima y personal que surge de la exploración de la caverna de la psicología para, desde el germen, ver crecer el tallo y acompañarlo. En esta ocasión, creada ex profeso, proyecta un tratado para almas nobles, por la honestidad de su trabajo y la delicadeza de la incógnita que nos plantea; esa su verdad. Relativo al espacio escénico escogido, el Patio Chico, se alza como el altar que espera la ceremonia entre las Catedrales salmantinas (la nueva y la vieja). Dos eras que esperan una pausa bailada como clausura a los sueños de verano, convertidos en deseos que permanecen. No son otros que los de las gárgolas que repliegan sus alas, los del atardecer y los de la poesía. Pero ese legado ya existe en la prometedora tarde, porque la belleza es una promesa de felicidad.
Estévez/Paños
PROFUNDIDAD
Texto_JESÚS MONTERO Foto_BEATRIX MOLNAR
Mérida. Díptico #1 [Campanillero / Silencios], que podrá verse esta noche en Mérida, como uno de los quince espectáculos que simultáneamente se realizarán en las ciudades patrimonio españolas en el marco de Escena Patrimonio, es una obra que se presenta compleja a distintos niveles. Por eso, para adentrarnos en ella, quizás sea bueno acercarnos por partes. Un primer nivel de complejidad y audacia se adivina en las funciones de los más que intérpretes, que nos revela la ficha técnica de la obra. Hasta se prestan como sujetos/tema de la misma.
La pieza que nos proponen los premiados Estévez (onubense) y Paños (barcelonés criado en Córdoba) es un dúo dancístico cuyos estilos se derivan del flamenco, la danza española, la contemporánea y el ballet clásico. En sus maestros ya confluyen estas disciplinas: lo bailaor y el ballet como es el caso, por ejemplo, de Merche Esmeralda, con quien se perfecciona Estévez, autodidacta del flamenco, y con quien llega a bailar el académico Paños.
Otro nivel de complejidad lo representa su profundidad: hay silencios en la obra; que se resaltan con un repiqueteo roto pero recurrente, que termina en taconeo. ¡¿Pretenden desnudar con arte e indagación científica la raíz de la angustia de su duende?!
Además del sonido monocolor, como la ropa negra que visten, desplegada en un escenario a juego y minimalista, iluminación básica y elementos propios de ensayos como una botella de agua y una toalla – que se usan en la actuación para hidratar y secar -, nos advierten de que nos encontramos frente a una pieza de ensayo. Los pies desnudos, contemporáneos, de Paños, terminan por emular los vestidos con zapato flamenco de Estévez. También hay una tiza, el instrumento atemporal de la exposición docente, y nos dirá algo. Por último, sus voces estridentes, incisivas, también confluyen al final en un conteo exacto de cuatro, quizás símbolo de la perfección flamenca, también Patrimonio, inmaterial, de la humanidad.
Pero, ¿qué más pasa en escena? Se juntan y separan, con sus cuerpos y sus lenguajes; dibujan sobre el otro; menean sus brazos, desnudos, segados del negro de la ropa de sus cuerpos, con braceos y floreos de manos de una pureza destilada que, como el alcohol, se nos ofrecen en pequeñas dosis, creando adicción. Y hay juego de suelo, piruetas, y expresividad, que rompe y llega.
Tanto elemento básico afila este acto de disección propia y del otro, precisa como el bisturí en una operación a corazón abierto, revelando la debilidad perfeccionista de los nervios de Estévez y la angustia ralentizante del flujo sanguíneo de Paños: ¡tanta responsabilidad - ¡gracias! - ante tradición, arte y vocación! Sus agonías curiosas. Arte vivo ante un legado arqueológico que le otorga su marco incomparable.
Jesús Rubio
CUERPO, INSTRUMENTO Y PARTITURA
Texto_CHRISTIAN M. COMINO
Ávila. El Auditorio de San Francisco, en la ciudad de Ávila, acoge hoy el estreno de 32 Estudios Elementales de Jesús Rubio, dentro del V Festival y Plataforma de Creación para la Danza de ESCENA PATRIMONIO que se celebrará, al mismo tiempo y con diferentes coreografías, en las 15 ciudades Patrimonio de España. En este caso, con Rubio, se trata de una obra de 20 minutos de duración donde el artista explora junto a Luz Prado el nexo de unión entre música y danza.
Jesús Rubio Gamo (Madrid, 1982) es un bailarín y coreógrafo independiente que lleva en activo desde 2008 con creaciones que se han mostrado en festivales de toda Europa. De hecho, fue seleccionado durante dos años consecutivos (2017 y 2018) como uno de los veinte coreógrafos jóvenes más destacados del panorama europeo actual, por la Red de Danza Aerowaves.
Además, el Premio OJO CRÍTICO en la modalidad de danza que le otorga en 2020 Radio Nacional de España valora su capacidad de orquestar tanto proyectos íntimos, a la hora de hacer bailar la palabra, como grandes grupos, en los que aúna estructura y la distinción individual de sus intérpretes.
Tanto es así, que una de sus obras más consagradas es GRAN BOLERO, una pieza para 12 bailarines que recibe galardones tan destacados como los Premios Butaca de las Artes Escénicas de Cataluña (2019) y el Premio MAX al Mejor Espectáculo de Danza (2020).
32 Estudios elementales, es una coreografía que encaja dentro de sus ya habituales proyectos capaces de generar una atmósfera de intimidad ligada a su visión literaria de la vida cotidiana, donde podríamos destacar de entre sus primeras creaciones obras como Álvaro&Tania (2014) y, de entre sus más recientes, piezas como El hermoso misterio que nos une (2021).Esta vez, con la diferencia de que esta cotidianidad se enmarca como el sostén del estudio, en directo, de dos mundos aparentemente tan abstractos y reconocibles como cálidos y familiares: la música y la danza.
La obra que nos disponemos a contemplar surge, por tanto, ante la curiosidad por explorar el germen de unión entre música y danza que proponen los artistas a partir de jugar las posibilidades del encuentro entre el cuerpo de Jesús Rubio y el violín de Luz Prado, materializado a través de la acción que solo podemos adivinar en el preciso instante en el que está sucediendo.
Un acto instintivo de dejarse llevar hacia lo desconocido en busca de la plenitud de identificar lo que simplemente es por encima de lo que me gustaría que sucediera en cada momento.
¿Qué me revela, por tanto, la acción?
¿Hacia dónde dirige ésta nuestros sentidos?
Un viaje por el universo de los artistas desde el marco escénico de la historia de Ávila para descubrir nuestro propio legado y hacia donde queremos dirigirlo.
Todo ello, gracias al cuerpo de Rubio y el instrumento de Prado expuestos a diferentes contextos que vertebran su deseo de volver a los rudimentos que cimentaron su técnica, a través de una partitura que despliega lo que son hoy en términos de un pasado que siempre vuelve para constatar lo que no pudo ser de otra manera aunque, al mismo tiempo, no deja de transformarse para posibilitar, así, cada nuevo presente, cada obra.
Eduardo Guerrero
PISANDO FUERTE EN-TRES, DOS, UNO…
Texto_SILVIA GARCÍAS DE VES
Tarragona. El gaditano Eduardo Guerrero es puro ADN flamenco y sigue tradiciones aunque rompiendo convencionalismos con su fuerza, pasión y elegancia. Después de haber formado parte de compañías como la de Aida Gómez o el Ballet Nacional de España y de haber participado con artistas de gran envergadura como Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, Javier Latorre y Rafael Aguilar, entre otros, ha sabido emprender su propio camino y, valiente, ha pisado con fuerza con sus obras en solitario. Lleva 11 años en esta nueva trayectoria y cabe decir que ha triunfado a nivel internacional pero aún así es fiel a sus raíces. Su galardón más actual ha sido este mismo año 2022 ya que recibió el Premio Lorca Intérprete Masculino Danza Flamenca. Debajo de los pies, Sombra Efímera I y II, Faro, Guerrero, Desplante y Callejón de los pecados son las obras que irá complementando con sus nuevas creaciones. Actualmente apuesta por nuevas experiencias y pretende experimentar performances fusionándose con las artes plásticas y visuales. Su nueva creación EN-TRES será representada esta noche en el Festival La Noche del Patrimonio. en el Seminari (Centro Tarraconense) de Tarragona.
Cuidando y respetando la tradición flamenca evoca dudas respecto a nuestros quehaceres. Utiliza su cuerpo visual, sonoro y emocional para provocarnos, llegar a nuestros corazones y erizarnos la piel con cada uno de sus movimientos. EN-TRES nos brinda con los altibajos que vivimos en cualquier relación de a dos. Pies, manos, voz y cuerpo se conjugan en un enfrentamiento de dolor y placer que tratan de encontrar el equilibrio entre tres pilares: tú, yo y el amor universal. Danza, voz y música se combinan EN–TRES así como nervio, atracción y acción afloran en esta propuesta creada junto a Ana Salazar. Nos invitan a reflexionar sobre nuestro tránsito en esta vida reavivando escenarios de nuestra existencia cotidiana. Una conversación llena de claves y no solo flamencas sino para replantearnos nuestra conducta, nuestra forma de amar y vislumbrar nuestra esencia.
Alessandro Sciarroni
EL ARTE DEL CORTEJO (EN MOVIMIENTO)
Texto_ESTHER MORALES HERNÁNDEZ Foto_Claudia Borgia
San Cristóbal de La Laguna. No son pocas las ocasiones en las que la labor del coreógrafo y la del investigador de danza se intercalan. El mejor ejemplo es el repertorio clásico, que se mantiene casi intacto desde los tiempos de Fokine y Petipa.
Pero ahora que la danza moderna tiene un recorrido lo suficientemente extenso, muchos han empezado a interesarse por traer hasta la actualidad trabajos que marcaron su época. Merce Cunningham, en sus declaraciones para el libro El bailarín y la danza, decía que no podía haber recuperado muchas de sus coreografías de no ser por la memoria de sus bailarines.
Pero hay otros ejemplos, como la reciente recreación del trabajo Works in Silence, de Lucinda Childs, que la compañía Dance on Ensemble representó hace varios meses en Tenerife; o la labor que, en la misma isla, desarrolla Aníbal Llarena para mantener vivos los bailes ancestrales del rico folklore canario.
Precisamente, Tenerife y su ciudad Patrimonio de la Humanidad, San Cristóbal de La Laguna, es el lugar donde el creador italiano Alessandro Sciarroni presentará hoy su trabajo Save the last dance for me en el contexto del V Festival Escena Patrimonio. Todo, en una edición dedicada al legado, en la que el trabajo de este artista invitado cobra todo el sentido.
Save the last dance for me, convertido ahora en un taller y en un site specific para el Teatro Leal, busca recuperar la danza boloñesa Polka Chinata. Es, en esencia, un baile de cortejo de principios del siglo XX -casi siempre interpretado por hombres- y que apenas bailaban cinco personas en toda Italia.
Todo un homenaje al país natal del artista, conocido por su trabajo en torno a la performance y los espacios no convencionales, y que destaca por su interés en rescatar danzas populares perdidas. Por ejemplo, con Folk’s, donde hacía hincapié en el Schuhplatter, un baile típico bávaro y tirolés, o con The Collection, recién estrenada por el Ballet de la Ópera de Lyon, que adapta la esencia de la misma danza al gran formato.
Para Save the last dance for me, Sciarroni se ha documentado durante varios años junto al maestro filuzziano Giancarlo Stagni, experto en el folklore de Bolonia. El resultado es una pieza fiel a la danza original, donde los bailarines Gianmaria Borzillo y Giovanfrancesco Gianninin se abrazan, giran rápidamente y doblan sus rodillas hasta rozar el suelo a la vez que convierten el espacio en un salón de baile alla bolognese. Toda una oportunidad para acercarse a un estilo de danza único, muy pocas veces representado fuera de sus fronteras.
Alessandro Sciarroni
DESDANZAR LO DANZADO PARA SALVAR LA MEMORIA
TEXTO_VALERIANO WEYLER RAMOS
San Cristóbal de La Laguna. Con la misión de no dejar caer en el olvido la polka chinata, tesoro de las danzas europeas de principios de siglo XX, el creador italiano Alessandro Sciarroni firma la coreografía y la dirección de los bailarines Gianmaria Borzillo y Giovanfrancesco Giannini en Save the last dance for me, personal rescate de este baile boloñés.
Tanto las personas duchas en esta coreografía acrobática como los espectadores legos en el baile de cortejo italiano podrán disfrutar de un espectáculo único que conecta el pasado con el presente y donde se `desdanza´ lo danzado para volver a danzar desde un presente con futuro. El Teatro Leal de la ciudad de San Cristóbal de La Laguna será testigo esta noche de este espectáculo, programado dentro del festival Escena Patrimonio.
Sciarroni trae esta propuesta a La Laguna con la garantía de años de experiencia como actor, coreógrafo y director de baile. Su creación ha sido llevada a una veintena de países, y ha sido reconocido con importantes lauros como el premio al mejor artista Próximo de la Danza italiano y la revista Danza. Su obra bucea en el interés por las danzas folklóricas y el paso del tiempo. Esta línea de trabajo se ha visto reflejada con anterioridad en las propuestas Folk-s, Untitled, I will be there when you die y, ahora, en Save the last dance for me, donde rescata la polka chinata, que siempre fue un juego de movimientos entre dos hombres, circunstancia promovida por la prohibición que tenían las mujeres de ejercer bailes de este tipo.
Sin embargo, en esta readaptación desde la óptica del siglo XXI la coreografía adquiere nuevos significados y alcances -estéticos y simbólicos- desde las corrientes de lo queer, ya exploradas por otras danzas como el tango. Aunque los bailarines no ejercen un rol de danzantes-activistas, el propio Gianmaria Borzillo ha expresado que la pieza tiene un alcance político dependiendo del contexto -escénico y sociocultural- en que se presente.
Durante el breve tiempo que dura la pieza -20 minutos- los bailarines suben y bajan, flexionan sus rodillas arriba y abajo, del mismo modo que hacen con la danza, llevándola del origen popular como baile folclórico hasta la vanguardista y provocadora mirada que cuestiona el discurso heteronormativo en cada uno de los movimientos. El alcance sociopolítico de la propuesta excede la mirada sobre los roles de género, y se constituye como una posibilidad de reivindicar el rescate de tradiciones populares casi extintas.
Al momento de iniciar el trabajo coreográfico y la investigación sobre el origen del baile, Sciarroni se encontró con que la danza boloñesa contaba solo con cinco danzantes vivos en toda Italia. Por eso es tan necesaria su obra, pues aunque mira al pasado lo hace sobre todo al futuro de una polka que pudo no serlo nunca más. Es, en cierta forma, un llamado de atención a preservar el patrimonio inmaterial y vivo de las artes escénicas que durante siglos desbordaron los límites de teatros y auditorios.
Arnau Pérez
BAJO LA MISMA PIEL PERO CON DISTINTO CORAZÓN
Texto_SONIA LÓPEZ
Alcalá de Henares. Bajo el paraguas de la V edición del Festival Escena Patrimonio, el coreógrafo catalán Arnau Pérez, con su compañía madrileña, estrena hoy en las tablas del Corral de Comedias de Alcalá de Henares Shortwave, su nueva propuesta. Música, tecnología, danza y, en especial, cuerpo, son el alma de esta experiencia en la que la tradición y la contemporaneidad se dan la mano.
Desde la antigüedad, el baile y la música han estado ligados al ser humano y al arte de crear. En ese camino, el cuerpo ha sido un elemento clave en las dos disciplinas. Pero ¿qué pasaría si a esa ecuación clásica se le añadiera la tecnología tan imprescindible en nuestros días?
Ante esta pregunta, la compañía de Arnau Pérez lleva tiempo investigando, creciendo y creando; como ya lo demostraron con su Fridge la temporada pasada dentro del programa Canal baila, de los Teatros del Canal, donde fueron grupo residente. Ahora, con Shortwave, dan un paso más allá y presentan una acción con música electrónica en directo en la que los sonidos realizados con el cuerpo dentro de una estudiada coreografía son el leitmotiv. Una obra coral que bucea en lo ancestral, como puede ser el zapateado flamenco, a la vez que plantea su unión con las corrientes más actuales entre las que podemos encontrar estilos de danza urbana como el popping o el trap. No en vano, Pérez ha cultivado distintos estilos incluyendo hip hop. Y, en esta ocasión, no pierde de vista el concepto de identidad dejando claro que la juventud y el respeto pueden ir de la mano siempre.
Hijo de su tiempo, Pérez busca en los movimientos culturales de hoy pero sin perder la perspectiva en la formación y en lo que se hizo antes que él. Sus estudios en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila y sus trabajos académicos con otros artistas como Sharon Fridman dan fe de ello. Así, aprendió la esencia de la danza contemporánea a la que unió la fuerza de lo urbano que aprendió en tierras catalanas. Director, bailarín, intérprete, creador, coreógrafo y docente son las caras de una misma persona que, bajo un único velo tiene un corazón diferente dedicado a cada una de las disciplinas. Todo ello con la innovación y el compromiso con los jóvenes (desde talleres como Dinámica y ritmo del cuerpo consciente dentro de este mismo festival) como guía.
Ondas de notas y danzas llenan este espacio clásico con la idea de una revolución.
Arnau Pérez
OJOS QUE ESCUCHAN
Texto_NURIA ALAÑA
Alcalá de Henares Con motivo de la 5ª Edición del Festival Escena Patrimonio, cuyo foco principal es la representación y creación coreográfica una noche al año en espacios patrimoniales, se estrena Shortwave de la Cía. Arnau Pérez. Este joven coreógrafo e intérprete catalán, que da nombre a su propio proyecto de danza con sede en Madrid, interpreta esta pieza inédita y la traslada hasta la localidad madrileña de Alcalá de Henares, concretamente a su emblemático Corral de Comedias.
Durante su adolescencia el potencial, explosivo y enérgico, de las danzas urbanas lo sedujo y despertó su interés por la práctica del movimiento. Cautivado por este universo desde su juventud prematura, decidió formarse en la especialidad de danza contemporánea en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid, donde reside y desarrolla su labor. Son sus raíces urbanas las que tatúan un estilo que, en combinación con las tendencias de movimiento más actuales, tiñe toda su producción. Desde el roce, que ya dicen que hace el cariño, entre estas dos familias de la danza, surgen Young Blood (2018) o Fridge (2021) algunas de sus creaciones más reconocidas.
En concreto, Shortwave es una experimentación en directo que aborda la combinación entre la producción de sonidos y la activación de movimiento. Para ello el intérprete colabora con dos músicos en escena que tejen texturas de sonidos al mismo tiempo que sucede la danza, de manera que se triangula una relación de igualdad e interdependencia entre ellos. Con el título, su creador alude a un formato relacionado con las tecnologías de audio, lo que nos permite establecer un paralelismo con su anterior creación LP (Long Play) (2020). En este caso, se refiere a la banda de radiofrecuencia de onda corta utilizada por emisoras de radio internacionales con el fin de transportar su mensaje de manera masiva.
El lema que abandera este año el festival es la inmortalidad del legado asociado a las quince ciudades declaradas Patrimonio de la Humanidad, un leitmotiv que resuena armoniosamente con la propuesta de Arnau Pérez. De la misma manera que los bienes materiales se conservan a lo largo del tiempo, el movimiento, que bucea en las profundidades de un mar de sonidos espontáneos, trascenderá. Así es como el espectador recibirá un mensaje contundente; y es que la calidad de la danza está también en los ojos que se acercan a escuchar.
Led Silhouette
MASCULINIDAD CANINA ¡CUIDADO CON LOS PERROS!
Texto_DANIEL LESZLO
Santiago de Compostela La compañía navarra Led Silhouette trae esta noche su última producción titulada Los Perros a la ciudad de Santiago de Compostela, celebrando la quinta edición de La Noche del Patrimonio. Con esta pieza, que les ha montado Marcos Morau, director de La Veronal, Jon López y Martxel Rodriguez, directores, sugieren varios temas superpuestos enmarcados en una danza frenética. A través de la repetición y de elementos escenográficos, exponen tanto la vulnerabilidad como la fortaleza del movimiento. Su danza refleja los valores arcaicos de lo masculino tradicional y también nos regala momentos de dulzura. El espectáculo denuncia la influencia de una masculinidad hegemónica y opresora. Ambos intérpretes hacen un recorrido por las imágenes del pasado representándolas en un contexto contemporáneo; la tradición pasada por su filtro adquiere nuevos valores que avivan el fuego de lo que parecía estar extinguido. Ese mismo fuego transforma lo que se entiende como norma, en un nuevo discurso sobre lo tradicional y lo moderno. Por otro lado, también expresan la búsqueda interminable del ser; el reconocerse en el otro y sentirse escuchado. A través del amor como un acto revolucionario en tiempos de guerra, los perros ladran hasta caer rendidos, bailan hasta el agotamiento.
López y Rodriguez iniciaron su aventura como creadores fundando Led Silhouette en 2016, paralelamente a su trabajo como bailarines de La Veronal, compañía catalana dirigida por Morau. La trayectoria como coreógrafo y director artístico de Marcos Morau destaca tanto por la crítica nacional como internacional; en 2013 fue galardonado junto a la bailaora Isabel Bayón con el Premio Nacional de Danza. Acompañados por la visión artística del coreógrafo valenciano, la compañía Led Silhouette consigue hacerse un hueco en festivales como 10 Sentidos, de Valencia, con su primera producción Moira (2016); también obtienen varias residencias como Sortutakoak o Centro de Danza Canal, donde desarrollan algunas de sus producciones, presentadas en diversas salas del país. El objetivo de la joven compañía es generar un espacio para artistas que quieran aportar su propia visión sobre el arte contemporáneo, usando la danza como medio de expresión; explorar las posibilidades del movimiento con el fin de representar a aquellos colectivos o grupos sociales considerados como minorías.
Led Silohouette
DE ANIMALES QUE AMAN Y LADRAN
Texto_MARINA ARRANZ
Santiago de Compostela Son tiempos difíciles, pero hay salida. El genio coreográfico Marcos Morau se une a la joven compañía Led Silhouette para abrir la puerta hacia una vida vivida y conjurar el deseo de amar. Los Perros es un retrato sobre el compromiso en tiempos revueltos, de cómo reconocerse en el otro y ser lo que somos, de cómo transformar la violencia en amor a fuerza de voluntad. Estas y otras preguntas se plantearán en una obra que promete recoger la alquimia entre tradición y contemporaneidad, movimiento y pensamiento, sello de un Morau en la cima de su carrera.
Y es que, a estas alturas, resulta indiscutible afirmar que el coreógrafo Marcos Morau (Ontinyent, Valencia, 1982) es un artista de envergadura. Premio Nacional de Danza en la especialidad de Coreografía (2013) y premio Time Out (2013), al frente de su compañía barcelonesa La Veronal, ha presentado su trabajo en los templos internacionales de la danza y ha sido invitado por reputadas compañías internacionales, siendo el más reciente encargo La Bella Durmiente en la Ópera de Lyon, que verá su estreno en noviembre de este año. No en vano, Morau es dueño de un universo coreográfico propio y ha creado, junto con sus bailarines, un movimiento inconfundible: a veces roto y otras esquivo, heredero del teatro físico y que, como un color saturado, llena el tiempo y el espacio con ecos del cine y la fotografía. Al fin y al cabo, un certero reflejo de los tiempos actuales que coloca a Marcos Morau en el centro no sólo de la danza, sino del arte contemporáneo.
En el seno de La Veronal, el trabajo de Morau se caracteriza por rodearse de un elenco de pensadores-dramaturgos en la vanguardia del teatro nacional, como el Conde de Torrefiel o más recientemente, Celso Giménez de la madrileña La Tristura, y por dibujar con los nombres de sus piezas una cartografía coreográfica del mundo. La Veronal no sólo ha conseguido convertirse en una aclamada compañía de danza que gira intensivamente, sino también en un foco de creatividad en torno al que orbitan artistas emergentes, como Manuel Rodríguez, que recientemente ha estrenado su pieza MANU en el festival Canal Baila 2022, o precisamente, Led Silhouette, fundada en 2016 por el navarro Martxel Rodríguez y el madrileño Jon López con sede en el pueblo de Lesaka, Navarra, con el objetivo de hacer algo propio y anclado en la comunidad.
En esta ocasión, Morau nos invita pues a contemplar su trabajo en la piel de un colectivo pequeño pero conocedor de su savoir faire, en una pieza site especific producida con el apoyo del programa DNA del Departamento de Cultura del Gobierno de Navarra e INNOVA Cultural de Fundación Caja Navarra -Fundación "La Caixa". Con Los Perros, el creador valenciano abandona los topónimos característicos de sus obras de mayor formato para adentrarse en el mundo animal, quién sabe si en apertura de lo que será una nueva serie coreográfica, mientras que Led Silhouette ve estrenarse su dúo más personal hasta la fecha y probablemente de mayor proyección, que promete girar por muchos de los espacios singulares de nuestra geografía.
Los Perros tendrá lugar hoy a las 20:30 en la IGREXA DA UNIVERSIDADE, en el contexto del V Festival Escena Patrimonio, Santiago de Compostela.
